Irina Gabiani, “Across the Universe”, solo exhibition at Raffaella De Chirico Galleria D’Arte, Turin, Italy

IRINA GABIANI: ACROSS THE UNIVERSE

Sounds of laughter, shades of life
Are ringing through my open ears
Inciting and inviting me
Limitless undying love
Which shines around me like a million suns
It calls me on and on and on
Across the universe

The Beatles, Across the Universe

Giovedì 19 settembre, in occasione dell’apertura di TAG Turin Art Galleries, la galleria De Chirico presenta la personale di Irina Gabiani, eclettica artista georgiana che lavora con il disegno, la pittura, l’installazione, il video e la performance.
È il concetto di Universo ad interessare la sua ricerca artistica, il “grande organismo” al quale tutto è interconnesso, perché tutto è Uno.
Legami familiari, componenti elettrici, mani che diventano ramificazioni per unirsi ad altre parti del corpo, capelli, il DNA. Gli elementi che l’artista utilizza per la sua produzione sono frammentazioni tese alla ricerca di unicità, l’individuo che diventa albero genealogico perché parte di una “costellazione” familiare, di cui porta nel suo storico biologico successi e fallimenti, ansie ed ambizioni. L’essere umano ha sulle spalle l’ereditarietà biologica e memorica, che è universo personale ma anche totale, attraverso un continuo scambio di messaggi atavici e contemporanei.
Gabiani si serve dell’aspetto creativo per “srotolare” letteralmente ai nostri piedi metri di lavori su carta e su tela, intrinsechi di “Poesia senza fine”, per dirla alla Jodorowsky: srotola il corpo e lo ricompatta, stende l’Universo, lo sbriciola e lo ricompone, ce ne mostra i dettagli nel tentativo di arrivare al sentircene connessi e parte di un disegno totale.

La proiezione di 5 video di Irina Gabiani (accompagnati dalla musica di Ruggero Laganà, appositamente creata) dal titolo “Sinestesia Universale”, dedicati agli elementi dell’universo (“aria”, “terra”, “acqua” e “fuoco” e completati dal quinto video dedicato all’Universo) e un percorso performativo accompagnano la personale di Gabiani, a completamento di una ricerca estremamente generosa, che necessita anch’essa di nutrirsi di assoluto per potersi esprimere appieno.

Raffaella De Chirico Arte Contemporanea
Via Della Rocca, 19
Via Giolitti, 52
10123 – Torino

Orari:
Venerdì e sabato 11-19
Altri giorni e orari su appuntamento
www.dechiricogalleriadarte.com
info@dechiricogalleriadarte.it

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Irina Gabiani’s videos at: Sa zgva ri (სა ზღვა რი) -The border, Poti Pavilion, Poti, Georgia

 

Sa zgva ri (სა ზღვა რი) -The border

Poti Pavilion, Poti, Georgia

26.05.2019

10:00

On May 26, 2019, under the patronage of the Ministry of Foreign Affairs of Georgia, in the Georgian city Poti,
is organized the annual public celebration, which is dedicated to the Independence Day of Georgia. There will be various cognitive and entertaining activities in the city on this day.

At the same time, we want to introduce to the population of Poti, Georgian artists that work
outside Georgia in the direction of contemporary art.
The specially created pavilion will feature videos of several Georgian artists.

Participating artists:

Irina Gabiani
Keta Gavasheli
Andria Dolidze and Tornike Dadiani
Gia Edzgveradze and T.K.E.’s collaboration
Salome Machaidze
Konstantin Mindadze
Vasil Macharadze
Tamar Maglaperidze
Koka Ramishvili
Nino Sekhniashvili
Melano Sokhadze
Levan Songulashvili
Tamar Karumidze
Ana Chaduneli
Nadia Tsulukiduze

 

 

 

2019 წლის 26 მაისს, ქალაქ ფოთში, საგარეო საქმეთა სამინისტროს პატრონაჟით,

ეწყობა ყოველწლიური სახალხო დღესასწაული,

რომელიც ეძღვნება საქართველოს დამოუკიდებლობის  დღეს.

ამ დღეს ქალაქში გაიმართება სხვადასხვა შემეცნებითი თუ გასართობი აქტივობები.

ამასთან ერთად ფოთის მოსახლეობას გვინდა გავაცნოთ ის ადამიანები და მათი შემოქმედება, რომლებიც თანამედროვე ხელოვნების მიმართულებით საქართველოს ფარგლებს გარეთ მოღვაწეობენ.

სპეციალურად შექმნილ პავილიონში ნაჩვენები იქნება რამდენიმე ხელოვანის ვიდეო ნამუშევრები.

მონაწილეობას იღებენ:

ირინა გაბიანი
ქეთა გავაშელი
ანდრია დოლიძე და თორნიკე დადიანი
გია ეძგვერაძის და T.K.E.-ს კოლაბორაცა
სალომე მაჩაიძე
კონსტანტინე მინდაძე
ვასილ მაჭარაძე
თამარ მაღლაფერიძე
კოკა რამიშვილი
ნინო სეხნიაშვილი
მელანო სოხაძე
ლევან სონღულაშვილი
თამარ ქარუმიძე
ანა ჩადუნელი
ნადია წულუკიძე

 

Here are the screenshots from the videos by Irina Gabiani that where shown at this occasion:

 

 

Still from Irina Gabiani’s video: Slaves of the system

 

Still from Irina Gabiani’s video: “Liberation from within”

 

Still from Irina Gabiani’s video: “I don’t think you can”

 

Still from Irina Gabiani’s video: “Whispering for freedom”

 

 

 

 

Irina Gabiani’s video at Live Hive Gallery, Artificial Identity International Video Art Event, Arts and Ecoculture Festival, Tulum – MEXICO

 

ARTIFICIAL IDENTITY
International Video Art Event
In Collaboration with Radio Tulum’s Live Hive
& ART WITH ME
Arts and Ecoculture Festival
Tulum – MEXICO

Friday 26th April 2019
7pm
LIVE HIVE GALLERY
Screening | Talk

Featuring:

Aditi Kulkarni (India)
Amy Bassin & Mark Blickley (USA)
Belle Shafir (Israel)
Djibril Drame (Senegal)
Enoh Lienemann (Nigeria)
Francesca Leoni (Italy)
Hicham Matini (Morocco)
Irina Gabiani (Luxembourg)
Kent Tate (Canada)

Installation by Ernesto NETO (Brazil)

Curated by Kisito Assangni
Organized by Marie Klinke



www.artwithme.org 

“Tulum’s ART WITH ME Festival Instantly Becomes A World Class Event” – Forbes Magazine

 

 

Screenshot from Irina Gabiani’s video “One common father”, 2010 

Irina Gabiani’s work at “Radical”, Hyperflexion Contemporary Art Gallery, Port Elizabeth – Nelson Mandela Bay, South Africa

“Radical”

Group Show 2019
Hyperflexion Contemporary Art Gallery

                          Irina Gabiani’s work at the show Radical

 

A Group Show “Radical” will take place at the Gallery 22 on 6th Avenue, Walmer Port Elizabeth – Nelson Mandela Bay, South Africa. Opening night Friday 8 March 6pm


The Exhibition will run on a view by appointment basis with a Gallery tour on request for either private viewing or groups during office hours or as per request. All viewing and co-ordination through Alison Williams (Artist & Gallery). “Radical” will run for two months after which the Group Show “F is For”; a Dedication to Feminism kicks in.

 

Paintings, videos, mixed media and digital photographic works, along with stills from videos will be on display.

 

The artists add value to a space which is dedicated to art and the sharing of art. “Build it and they will come” a line snatched from a film helps define Hyperflexion Contemporary Gallery which relies on co-operation and collaboration and tries to avoid drudgery by igniting minds.

There are some true gems to gawk at and hopefully something to stimulate the artistic senses of many. The desire is to inspire and motivate, broaden horizons and nudge artists into seeing a bigger picture. It is not about where you live, the only thing that truly confines one is the notion that we are not free to pursue our individual dreams no matter how banal they may appear to others. “Think art, breathe it and share it, celebrate art and break out of the box of conformity if you have placed yourself in one – liberation brings happiness.” Hyperflexion Contemporary is all about uniting art and people, crossing borders and letting the light shine in.

“In large measure becoming an artist consists of learning to accept yourself, which makes your work personal, and in following your own voice, which makes your work distinctive.”
― David Bayles, Art & Fear: Observations on the Perils (and Rewards) of Artmaking

Here is a list of the participating artists in our Group Show “Radical”2019:

Wednesday Kim (S.Korea)
Sylvia Toy St. Louis (USA)
Jasmin-Lee Hoffman (RSA)
Lee Wells (USA)
Evelin Stermitz (Austria)
Danny Germansen (Denmark)/ Daria Baiocchi and Marek Magierecki
Ulf Kristiansen (Norway)
Louwrens Westraad (RSA)
Irina Gabiani (Luxembourg)
Joaquin Goldstein (Peru)
Amber Skye (RSA)
Cedric Vanderlinden (RSA)
Caddelle Faulkner (RSA)
Adamo Macri (Canada)
Alberto Guerreiro (Portugal)
Sandrine Deumier (France)
Alison Williams (RSA)
Christian Zanotto (Italy)
Bretten-Anne Moolman (RSA)
Susan Proctor Hume (RSA)
Rahman Hak-Hagir (Austria/Vienna)
Masha Yozefpolsky (Russia/Israel)
G.H. Hovagimyan (USA)
Neil Howe (Australia)
Monique Wiffen Rorke (RSA)
Anonymous Artist (France)
Effie Noifelt (Athens, Greece) 

https://www.facebook.com/events/398098334279480/   

 

Irina Gabiani, Rotation Artworks at Raffaella De Chirico Arte Contemporanea, Turin, Italy

Raffaella De Chirico Arte Contemporanea

Abbiamo il piacere di comunicarvi che per il mese di Gennaio la Galleria DeChirico ha deciso di realizzare una ROTATION ARTWORKS per darvi la possibilità di rivedere artisti di cui non ospitiamo mostre da qualche tempo e per avere un’anteprima degli artisti che verranno esposti nei prossimi mesi.
Via Della Rocca, 19 Torino
Lun-Mar-Mer-Gio su appuntamento
Ven-Sab 11-19

mail: info@dechiricogallariadarte.it
tel: +39 3928972581

7/13 Gennaio
Pittura, Disegno e Collage
Daniele Bongiovanni, Malachi Farrell, Irina Gabiani, Anna Ippolito, Horiki Katsutomi, Jiří Kolář, Lawand, Nico Mingozzi, Carol Rama, Eva Sørensen, TTozoi

Works by Irina Gabiani exhibited at this occasion

The end is your choice, Irina Gabiani, Marie Paule Feiereisen and Philippe Lamesch at Nosbaum Reding Projects, Luxembourg


Nosbaum Reding a le plaisir de vous inviter au vernissagede l’exposition collectiveThe End Is Your Choice de Marie-Paule Feiereisen, Irina Gabiani et Philippe Lamesch, le jeudi 29 novembre 2018 à 18h.

Nosbaum Reding is pleased to invite you to the opening reception of the group exhibition The End Is Your Choice by Marie-Paule Feiereisen, Irina Gabiani and Philippe Lamesch on Thursday, 29 November 2018 at 6 pm.

Marie-Paule Feiereisen


Irina Gabiani


Philippe Lamesch


THE END IS YOUR CHOICE

chez Nosbaum Reding Projects, Luxembourg

29 novembre 2018 – 5 janvier 2019
Vernissage:
jeudi 29 novembre à 18h
Visuels:

Marie-Paule Feiereisen
Anamorphose, 1991-92
Peinture et pigments sur toile, 130 x 162 cm

Irina Gabiani
Domino principle (the end is your choice), 2018
Installation, médias mixtes,
dimensions variables

Philippe Lamesch
Catalyzed I, 2018
Collage avec pièces de gravure, peinture spray, dessin, 40 x 40 cm

nosbaumreding.lu
2 + 4, rue Wiltheim L-2733 Luxembourg
Wednesday-Saturday 11 am – 6 pm or by appointment / (+352) 28 11 25 1

See exhibition link to the Gallery 

 

 

 

Irina Gabiani:

Domino Principle (the end is your choice)

 

 

This series of works by Irina Gabiani portrays the artist’s exploration into the realm of hedonism with its constant quest for beauty and pleasure by human beings.

The works are presented in a sequence following rules of the game of dominoes, where every tile (canvases and wood) implies and determines the next one. Just like in life where one decision can impact consequent events.

In this works Irina Gabiani considers the positive aspects of hedonism, which has accompanied the development of humanity. We – as a society – have developed art, architecture, music, food… but even science and medicine thanks to the search for our wellbeing.

The real problem with hedonism is the same as with the development of our society: selfishness. The problem lays in human attitude: how far can we go searching for pleasure without jeopardizing our society as a whole? How far can we go with the search of wealth, without damaging the whole world?

This selfishness is causing the negative deviation of all of our activities. As with any other principle, exaggeration is always defective and can result in destruction…

…And we stand – therefore – in front of a choice, which is represented at the end of this Domino sequence, where we are called to make a fundamental decision: What will we choose, selfishness and destruction or selflessness and survival?

 

 

    Video on Irina Gabiani’s installation

“Domino principle (the end is your choice)”, 2018

 

 

 

 

Irina Gabiani

Domino principle (the end is your choice)

Installation view:

 


                                 

 

 

“Domino Principle (the end is your choice)”, separate works, 2018

Acrylic on canvas or wood panel, collage.

100×40 cm each:

 

 

 

 

Articles on the newspapers about the exhibition: 


Irina Gabiani’s artist book at Declinando il libro d’artista, Unimediamodern, Genova, Italy

 

 

Declinando il libro d’artista

UNIMEDIAMODERN GENOVA

24 November 2018 – 14 January 2019

Leporelli di:

Limbania Fieschi – Anna Oberto – Maria Luisa Malerba – Giacomo Bonino – Marcello Frixione – Pino De Luca – Sandra Chiesa – Irina Gabiani – Philip Corner – Angelo Pretolani – Mauro Panichella – Roberto Rossini – Maurizio Duranti – Berty Skuber – Chiara Veronica Natta – Dario Gentili – Angela Mambelli – Mauro Ghiglione – Enzo Minarelli – Carla Iacono – Giulia Vasta – Emme Friperione – Antonio Flamminio – Fulvio Magurno – Maurizio Camerani – Paola Nizzoli Desiderato – Rebecca Ballestra – Sandro Ricaldone

Altri artisti in mostra:

Giannetto Fieschi – Claudio Costa – Aurelio Caminati – Carlo Merello – Roberto Agus – Piergiorgio Colombara – Emilio Scanavino – Rocco Borella – Chumi Chumez – Hans-Hermann – Ugo La Pietra Corrado Bonomi – Ben Vautier – Giuseppe Chiari – Renato Mambor – Carlo Tognolina – Luigi Viola -Elisabeth Scherfigg – Lucio Pozzi – Henry Chopin – Gianni Bertini – Ugo Carrega – Vincenzo Ferrari -Aldo Mondino – Ben Patterson – Jackson Mac Low – La Monte Young – George Maciunas – Robert Filliou – Joseph Beuys – Emanuele Magri – Charles Deyfrus – Giuseppe Pellegrino – Nanni Balestrini – Geoffrey Hendricks – Sergio Muratore – Daniel Spoerri – Paolo Gioli – Li Chi Choi – Daniele Ferrarazzo – Sarenco – Lucio Fontana – Vittoria Gualco – Coco Gordon – Fabio Mauri – Remo Salvadori – Serge III – Roberto Floreani – Giovanni Rizzoli – Martino Oberto – Giulia Niccolai – Alik Cavaliere – Martin Hiddink – Rino Baldassare – Gianni Sedda – Jean Leppien – Antonio Calderara -Salvo – Gianni Baretta – Marco Vaglieri – Marcel Duchamp – Jean Dupuy – Takako Saito – George Brecht – Dick Higgins – Alison Knowles – Emmett Williams – Ugo Mulas – Matteo Sanna – Roman Opalka – Enrico Morovich – John Cage – Vittore Baroni – Viviana Buttarelli – Ay-O – Eric Andersen -Plinio Mesciulam – Aldo Spinelli – Raffaele Rossi – Loredana Gallante – Giovanni Fontana – Arturo Schwarz

…Madamina il catalogo è questo…

Il libro d’artista è un lavoro artistico realizzato sotto forma di libro, spesso pubblicato come edizione numerata a tiratura limitata, sebbene a volte sia prodotto come oggetto unico e venga chiamato appunto unique.

Libri artistici sono stati prodotti usando una vasta gamma di forme, tra cui rotoli, pieghevoli, copertine, fogli rilegati o liberi contenuti in scatole. Gli artisti si sono occupati di stampa e produzione di libri da secoli, ma il libro d’artista si è affermato principalmente nel XX secolo. (Wikipedia)

La domanda di partenza dovrebbe essere “come nasce una mostra”, domanda alla quale è facilissimo rispondere ma altrettanto difficile dare una risposa convincente. In occasione di questa, che abbiamo chiamato “Declinando il libro d’artista”, sarebbe forse più opportuno chiedersi “come nasce una collezione”. In questo caso l’unica risposta che potrei dare è: “Quando qualcosa mi piace davvero, dopo 10 minuti ne ho almeno 3 esemplari!”

Parte fondante dell’esposizione è la quantità di libri d’artista che sono riuscita a raccogliere in questi quasi 50 anni da che è iniziata la mia attività di gallerista. Libri unici, libri oggetto, libri stampati con intervento, libri stampati in numero ridotto di copie, numerati, firmati, dedicati. Libri stampati formati da pochi fogli legati assieme con un nastro o con una cordicella, libri bianchi, libri senza parole, libri di immagini, ecc. ecc. Libri nei quali la dedica è più importante del libro stesso, carta, carta, carta a rivendicare il proprio diritto e la propria nobiltà nel tempo dell’ebook e dei tablet.

Mesi fa, quando la voglia di vedere e far vedere in “bella mostra” una parte dei libri era già diventata progetto, c’è stato un incontro con un oggetto speciale, il leporello “cahier de voyage” che Giovanni Fassio realizza, immaginando novelli Goethe o Stendhal a passeggio nel nostro bel paese a prendere appunti sulle sue meraviglie. Ebbene, mi sono innamorata di un Leporello, non di colui che canta “Madamina il catalogo è questo…”, ma di questo librino fatto a fisarmonica, che può anche rappresentare uno scrigno segreto in tempi in cui tutte le più intime sensazioni vengono condivise senza mistero e quindi senza fascino, sui vari social di cui siamo in qualche caso le vittime.

In un tempo brevissimo i leporelli si sono moltiplicati, sono passati dalle mani di Giovanni alle mie e poi a quelle di altrettanti artisti ed è nata una mostra nella mostra, bella, ricca e divertente come tutte le volte che si realizza un progetto con la stretta collaborazione degli artisti stessi.

Ora c’è un solo problema: 30 erano i leporelli, solo 29 rispondono all’appello… dove sarà finito il trentesimo fiore di questa collana speciale?

Caterina Gualco

17 novembre 2018

There is a myriad of possibilities

for what artists’ books can be.^1

Dick Higgins

Nella storia millenaria del libro, l’avvento della stampa ha apportato una mutazione che Marshall McLuhan ha analizzato ne La Galassia Gutenberg, sostenendo che ha determinato il passaggio da una forma di comunicazione nella quale erano coinvolti tutti i sensi ad un assoluto predominio dell’elemento visivo e della razionalità. Se questa tesi, per quanto non priva di fondamento, può apparire eccessiva, è indubbio che in quel frangente il libro si è posto come uno dei primi oggetti seriali, idealmente predisposto per una produzione massiva operabile da chiunque disponesse della strumentazione necessaria, cui era tecnicamente più idoneo rispetto ad altre modalità di riproduzione meccanica come l’incisione, che – pur proponendosi fini analoghi – scontava limitazioni oggettive (il progressivo deterioramento della matrice) e implicava comunque una forma di autorialità elitaria. In questo consolidato contesto il libro d’artista interviene, fra Ottocento e Novecento, muovendo in tre diverse direzioni: – a ritroso, verso la forma del codice (miniato o semplicemente calligrafico), con un significativo recupero della componente manuale; – in avanti, attraverso l’incorporazione nella forma libro di materiali che le attuali modalità produttive non consentono di riprodurre in serie neppure attraverso le tecnologie più avanzate (sovviene a questo proposito l’osservazione di Peter Frank secondo cui “le idee realmente ambiziose a proposito della forma libro sono costrette a proporsi attraverso un esemplare unico e sono perciò assimilabili più al disegno o alla scultura che al volume da biblioteca”^2); – verso l’interno, in una sorta di decostruzione degli aspetti comunicativi usuali, alterati secondo varie strategie o addirittura azzerati. È a partire da un “acte de démence”, come Mallarmé definiva “Un coup de dés”, che si dipana questa nuova esistenza del libro. Un’esperienza sconvolgente, quasi una rivoluzione copernicana, di fronte alla quale Paul Valery non esitava a confessare “Mi sentivo come se scorgessi la figura di un pensiero fissato per la prima volta nello spazio. Qui in verità parlava l’esteso, qui sognava, qui produceva forme nate dal tempo. Attesa, dubbio, raccoglimento erano diventate cose visibili. Col senso della vista, palpavo pause corporee del silenzio”. Di qui un crescendo: dalle disposizioni mimetiche dei “Calligrammes” di Apollinaire agli esplosivi tour de force tipografici della marinettiane “Parole in libertà futuriste”; dai duetti fra parole e immagini di Cendrars e Sonia Delaunay (“La prose du Transsibérien”) e con Léger (“La fin du monde filmée par l’Ange N.-D.”), al design costruttivista nel “Dlia Golosa” (per la voce) di Majakovskij. Un crescendo che monta verso il libro imbullonato di Depero e la litolatta di Tullio d’Albisola e Bruno Munari; verso il collages détournés da Max Ernst in “Une semaine de bonté” e la “Boite verte” dove Duchamp raccoglie le note per il “Grande Vetro”, sino a incrociare le vivaci silhouettes ritagliate da Henri Matisse in “Jazz” … Ma è nel secondo dopoguerra che il libro d’artista si affranca completamente dal residuo che in precedenza lo legava sovente alla sfera dell’illustrazione, per trasformarsi in opera in se conchiusa. Feticcio e oggetto auratico, contenitore di nuovi alfabeti (come non ricordare in proposito “Les journaux des dieux” di Isou?), gioco permutazionale senza limite (Queneau), catalogo tematico di materiali visivi (Ruscha), prototipo di investigazioni strutturali (Gleber), di sole pagine trasparenti (Manzoni) o di istruzioni fuori schema (Yoko Ono), è venuto a costituire per gradi, analogamente alla Mail Art, una sorta di disciplina a sé stante, coltivata ovunque con intensità e frequenza, manipolando e combinando creativamente i linguaggi contemporanei. In questa mostra sono presenti, oltre a lavori prodotti per la specifica occasione, molteplici esempi riconducibili a talune delle tendenze che hanno animato la scena contemporanea: dalla Scrittura visuale (con Martino Oberto e Ugo Carrega) alla Poesia Concreta (Henri Chopin); dal Lettrismo a Fluxus e così via. Un autentico mare magnum da cui scaturisce l’interrogativo se nel libro d’artista sia o meno identificabile una tipologia, un vero e proprio “genere”. In senso negativo si è espresso, ad esempio, Dieter Schwarz^3, argomentando che non si danno, negli esempi concreti dei libri d’artista, caratteri costanti, un “denominatore comune” a suo parere necessario per approdare alla costituzione di un genere. La stessa “unità” del libro – secondo Michel Foucault – è precaria. Il libro, sostiene il filosofo francese, “ha un bel darsi come un oggetto che si tiene in mano; ha un bel rannicchiarsi nel piccolo parallelepipedo che lo contiene: la sua unità è variabile e relativa”^4 e ciò sia sotto il profilo del supporto materiale sia sotto l’aspetto discorsivo, ovvero della presentazione dei contenuti verbali e d’immagine. Un’opposta convinzione è stata espressa da Dick Higgins – artista Fluxus e promotore, attraverso la sua casa editrice, la newyorkese Something Else Press, del libro d’artista – secondo il quale “la produzione di libri d’artista non è un movimento. Non risponde a un programma che una volta adempiuto raggiunge il suo coronamento prima di scomparire, a poco a poco, nel passato. È un genere, aperto ad artisti di ogni sorta, con stili e obiettivi diversi”^5. E, a sostegno di questa opinione un argomento a mio parere non controvertibile è dato dall’esistenza, che in questa rassegna si può verificare in concreto, di una costellazione di autori che, pur nella diversità dei singoli approcci, si mostra consapevole di operare in un ambito condiviso, da una parte, e dall’altra di una comunità di fruitori che guarda a queste pratiche come un fenomeno sostanzialmente coeso sebbene plurale. Al di là di questa problematica, tuttora indecisa e forse non decidibile occorre riconoscere con Anne Mœglin-Delcroix che il libro d’artista “trae la sua ragion d’essere e il suo interesse dall’intima contraddizione che intrattiene tra il rifiuto dei mezzi convenzionali d’espressione artistica e una certa connivenza con la storia del libro”^6, che consente di evitare il duplice rischio di scadere per un verso nella mera illustrazione o, all’opposto, nella comunicazione tout court. Secondo la studiosa francese è “rimarchevole come i più grandi libri d’artista non nascano dal desiderio di fare un libro per fare un libro, ma di dire qualcosa che richiede il libro”. Un libro che non si dà come forma meccanicamente vincolante, ma realizza “un insieme di virtualità libresche multiple”^7.

Sandro Ricaldone

Note:

1) Dick Higgins, A Preface, in Artists’ Books. A Critical Anthology and Source Book, edited by Joan Lyons, Gibbs Smith Publishers, Kaysville 1985 p. 11.

2) Peter Frank, introduzione a Words & Images. A Contemporary Artists Books Exhibition, pagina non numerata.

3) Dieter Schwarz, Lawrence Weiner Books 1968-1989, Walther König, Köln 1989, pp. 127-128.

4) Michel Foucault, L’archéologie di savoir, Gallimard, Paris 1969, p. 34.

5) Dick Higgins, op. cit., p. 12.

6) Anne Mœglin-Delcroix, Esthètique du Livre d’artiste 1960/1980. Une introduction a l’art contemporain, Le mot et le reste / Bibliothèque Nationale de France, nouvelle édition revue et augmentée, Marseille 2012, p. 9.

7) Ibidem, p. 403.

 

 

Irina Gabiani’s artist book:

La vita e’ un viaggio nel tempo e nello spazio, 2018 

Collage, ink on paper

 

 

 

 

Irina Gabiani’s video at Time is Love. 11, Mulhouse Art Contemporain, Mulhouse, France

L’association Mulhouse Art Contemporain propose au public mulhousien et aux amateurs d’art vidéo une soirée de projection dont le programme a été confié au commissaire d’exposition Kisito Assangni, sur une invitation de l’artiste Marie Paule Bilger.

Le mot de Mulhouse Art Contemporain :
Dans la multitude d’expressions de l’art contemporain aujourd’hui, l’art vidéo occupe une place essentielle. Au carrefour des langages (image, son, graphisme, numérique) la vidéo propose au spectateur une relation très directe à l’œuvre et un dialogue singulier avec l’auteur.
L’image envahit notre monde moderne. Elle se multiplie, se démultiplie, se diffuse dans notre quotidien, sollicite l’attention dans tous les lieux possibles, sorte de miroir aux mille facettes parfois déformantes, troublantes, comme un abîme dans lequel se perdrait notre perception.
En proposant cette soirée, Mulhouse Art Contemporain, poursuit son objectif principal : mieux faire connaître l’art contemporain au public le plus large possible. La vidéo constitue à cet égard un moyen évident et éminemment pertinent.
Dominique Bannwarth, président

Une artiste invite un commissaire d’exposition :
Ayant rencontré Kisito Assangni à vidéoformes et avoir été invitée à participer à son cycle d’art vidéo, j’ai eu très envie de le faire connaître. Mulhouse attend avec impatience “Time is love”, merci à Mulhouse Art contemporain pour le soutien.
Marie Paule Bilger

TIME is Love.11 – cycle d’art vidéo international
TIME is Love Screening est un événement d’art contemporain annuel et itinérant, mettant en vedette les artistes internationaux autour du thème noble qu’est l’amour.
Depuis sa création en 2008, le projet a présenté près de 400 artistes provenant de plus de 45 pays. Il a été montré à Peanut Art Project, New york ; Centre d’art contemporain de Glasgow ; Kunsthal 3.14, Bergen ; Studio1.1 Gallery, Londres ; Zet Foundation, Amsterdam ; Pink Gallery, Séoul ; Galerie Toolbox, Berlin ; Sala Rekalde, Bilbao ; Sint-Lukas Gallery, Bruxelles ; Musée d’art contemporain Ticino, Suisse ; Sazmanab – Centre d’art contemporain, Téhéran etc…
Les sentiments amoureux recouvrent le désert de nos plus grands maux comme de nos plus belles joies. C’est sur le fil de cette ambivalence épineuse que les artistes sélectionnés se risquent.
Ils nous livrent sans concession un éventail de complexités, d’amertumes et de passions généré par les rapports humains.
Chacun des artistes mène une pratique interdisciplinaire apportant un questionnement et une critique sur un système de relation à autrui qui nous apparaît comme étant en voie de disparition.
Des rapports difficiles, complexes, qui s’évanouissent progressivement au profit d’intérêts personnels, économiques et triviaux.
Si TIME is Love dresse un sombre portrait des sentiments humains, des lueurs d’espoirs résident, résistent malgré tout.
Si aujourd’hui le temps est synonyme d’argent, TIME is Love s’emploie à détourner les regards vers des valeurs plus essentielles afin que le temps puisse rimer avec celui de l’amour, du rassemblement et du lâcher prise.
L’amour en tant que sentiment universel s’extirpe ici des clichés traditionnels et d’un idéalisme intemporel.
L’amour est exprimé de manières déconcertantes, troublantes, subtiles et riches. Il est décliné, scruté et traduit avec profondeur et intensité, à l’image de la complexité du genre humain.

Artistes présentés :
Albert Bayona (Espagne), Angelina Voskopoulou (Grèce), Anupong Charoenmitr (Thailande), Céline Trouillet (France), Dee Hood (USA), Djibril Dramé (Sénegal), Erick Tapia (Mexique), Frederico Evaristo (Brésil), Helina Metaferia (Ethiopie), Hiroya Sakurai (Japon), Iloisa Fortes (Cap Vert), Irina Gabiani (Luxembourg), Isabel Pérez Del Pulgar (Espagne), Joas Nebe (Allemagne), Kokou Ekouagou (Togo), Lisa Birke (Canada), Magdalena Zeisel (Autriche), Mauricio Saenz (Mexique), Matilde De Feo (Italie), Michael Macgarry (Afrique du Sud), Mohamed Thara (Maroc), Sandrine Deumier (France), Sarah Bliss (USA), Tom Skipp (Royaume-Uni), Vijay Raghavan (Inde).

Commissariat : Kisito Assangni
Kisito Assangni est un commissaire d’exposition indépendant, consultant et producteur Franco-Togolais qui a suivi une formation en muséologie. Il partage aujourd’hui son temps entre Londres et Paris.
Très impliqué dans l’art vidéo, la performance et l’art sonore, son travail analyse principalement l’impact de la post-mondialisation et la psychogéographie. Ses recherches se concentrent sur les modes de production culturelle qui combinent la théorie et la pratique.
Ses projets ont été présentés dans le monde entier – à la Whitechapel Gallery à Londres, au ZKM Museum à Karlsruhe (Allemagne); au Torrance Art Museum à Los Angeles, au Malmo Konsthall en Suède, au Musée d’Art Contemporain de Séoul, au Centre National d’Art contemporain à Moscou, au Musée d’Art Contemporain de Tenerife en Espagne et bien d’autres.
Fondateur du programme d’art vidéo TIME is Love, Kisito Assangni est aussi à l’origine du projet [SFIP] – Still Fighting Ignorance & Intellectual Perfidy – observatoire pour la critique, la recherche et la présentation de l’art vidéo Africain.

 

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Still fro Irina Gabiani’s video “One common father”
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Interview and reportage on Irina Gabiani and her art from Radio Tavisupleba (რადიო თავისუფლება) “Shin utskoetshi” (At home abroad).

 

Interview and reportage on Irina Gabiani and her art by Okropir Rukhadze from Radio Tavisupleba (რადიო თავისუფლება).

Interview and reportage with video are available within the program “Shin utskoetshi” (At home abroad).

მხატვარი ლუქსემბურგში, რომელსაც ხანდახან ნარიყალას მოაგონებს.

საჰერცოვოს დედაქალაქის ციტადელი. ევროპის კავშირის ინსტიტუტები და ხელოვნება ერთ პატარა, მაგრამ სახელგანთქმულ ქალაქში, სადაც “შინ – უცხოეთშის” ავტორი ოქროპირ რუხაძე და ოპერატორი ილია სამურგანიდი ქართველ არტისტს შეხვდნენ.

 

https://www.radiotavisupleba.ge/a/%E1%83%98%E1%83%A0%E1%83%98%E1%83%9C%E1%83%90-%E1%83%92%E1%83%90%E1%83%91%E1%83%98%E1%83%90%E1%83%9C%E1%83%98—%E1%83%A8%E1%83%98%E1%83%9C-%E1%83%A3%E1%83%AA%E1%83%AE%E1%83%9D%E1%83%94%E1%83%97%E1%83%A8%E1%83%98-%E1%83%9A%E1%83%A3%E1%83%A5%E1%83%A1%E1%83%94%E1%83%9B%E1%83%91%E1%83%A3%E1%83%A0%E1%83%92%E1%83%A8%E1%83%98/29528140.html   

 

 

 

 

Irina Gabiani’s video at Time is Love.11, Galerie Toolbox, Berlin, Germany

20 October

 BERLIN
TIME is Love.11 [Show 5]
International video art program

GALERIE TOOLBOX
Finnish-German Art Space
Koloniestr 120
13359 BERLIN
Germany
www.galerietoolbox.com
www.timeisloveshow.org
www.facebook.com/timeisloveshow

Saturday 20th October 2018
7.30PM
Free admission

Artists:
Albert Bayona, Angelina Voskopoulou, Anupong Charoenmitr, Céline Trouillet,Cristina Picchi, Dee Hood, Djibril Drame, Erick Tapia, Frederico Evaristo,Helina Metaferia, Iloisa Fortes, Irina Gabiani, Isabel Pérez Del Pulgar, Isidora Ficovic, Jennida Chase, Joas Nebe, Kokou Ekouagou, Laura Celada, Lisa Birke, Magdalena Zeisel, Mauricio Sáenz, Matilde De Feo, Mohamed Thara,Przemek Węgrzyn, Salvatore Insana, Sandra Bouguerch, Sandrine Deumier,Sarah Bliss, Susanne Wiegner, Tom Skipp, Tushar Waghela, Vijay Raghavan,Balbzioui Yassine.
(c) Anupong Charoenmitr

Curated By Kisito Assangni
Special Thanks to Andreas Wolf

 

 

 

 “One common father”, Still from the video by Irina Gabiani